设计应基于人文关怀,探寻华人文化思想的现代精神—范赫铄

同时拥有艺术创作者、空间设计师、策展人等不同身份,如果以时下热门的「斜杠」(slashie)概念来形容范赫铄的多方跨足,或许还没有他在2017年「设计M/m台湾」展览的策展人介绍中,给自己的定位来得精准——作为一位「跨域设计人」,从东、西方艺术,到建筑、空间、数字媒材、互动设计等不同领域,都是范赫铄与他所带领的设计团队「跨域」的范畴。

不论是2014年与书法界大师董阳孜共同创作的《无声的乐章》展览,将其书法的线性美学与东方墨韵的精神转译,透过空间、光、影、烟尘与声音的巧妙设计呈现,赋予观者独特的沉浸式体验,与其艺术表达及整个空间产生对话关系;或如2016年与故宫及HTC一同打造的台湾第一个VR书法体验空间《自叙.心境》,整合了艺术、空间及互动科技设计,引领观者进入唐朝书法家怀素《自叙帖》的文本世界,理解其书画意境及创作精髓,进而感悟、产生共鸣——都是范赫铄不断在跨域的连结实践与相互映证中迈出的创新尝试。

故宫及HTC一同打造的台湾第一个VR书法体验空间《自叙.心境》。

创造观看问题的不同视角

谈及自己的「跨域」历程,如同做设计时特别重视社会文化脉络的梳理,范赫铄也仔细地爬梳了他这一路走来的「脉络」:从小学画,后进入艺术系就读以达到更高层次的追求;他提到艺术系的训练,对他而言不只在于技法的提升和理论的学习,更影响了他的思维方式。兼习西画、水墨、书法等东西方艺术的背景,养成他在观看事物和现象时,总会特别留意其所处时代的文化和艺术史观在时间轴上的纵向变化,进而横向观照东方和西方。

而后范赫铄从艺术转往建筑和空间领域,接触不同于传统艺术的数字媒材。这样的「跨域」经验,不仅打开了他的视野,突破自己过去对于媒材的理解,也让他开始尝试相互投射或映证两个领域的事情。

真正将这份尝试从思考层次推向实践的第一件作品,是范赫铄与他所带领的爻域互动科技设计团队,在2010年「白驹过隙.山动水行—从刘国松到新媒体艺术展」的参展之作《墨影意形》。他们以水作为数字投影的媒介,并结合多点触控互动技术与精密运算,设计出一个互动装置,可让观者自行探索水韵的变化,从而观看书法墨迹的动态展演。

然而比起传统艺术中指涉的「观者」,范赫铄认为「使用者」这个当代用语,更能确切描述人与对象之间发生的连接或使用关系,并进一步强调特定角色在空间或境域里的视角。谈及《墨影意形》的构思与设计,他指出透过这个装置,观者有别于以往的艺术观赏者,与物之间的距离也有所改变,直接与装置间发生感知经验。当使用者的指尖触碰到水面的剎那,水下的宣纸立刻透出不同的色光,形成彩墨般的晕染,而一个间续透着实体的水的宣纸长轴,更让使用者藉由与彩墨及水的接触,不断冲击感官经验,体验共同创造的惊喜。特别的是,当彩墨晕染的余韵到达纸轴末端,随即结束,不留下任何将其捕捉或储存的机会,因为「行为与过程才是当代艺术的重要意涵。」

「白驹过隙.山动水行—从刘国松到新媒体艺术展」参展之作《墨影意形》。

范赫铄也这样形容刘国松的创新突破,「刘国松老师当年已经在『太空时代』,透过『革中锋的命』与『自动性技法』,创造了中华文化水墨的前卫穿突。而数字时代正面对着不下于当年的观念冲击,回应时代、人与创作者及艺术间的关系,早该有更大的空间去讨论了。」而他也认为,华人文化的底蕴,应该透过数字媒材的崭新诠释,让使用者感受华人传统艺术的形神之美。

这件作品对范赫铄而言别具意义。「在做这件作品的时候,我其实经历了非常多观点上的冲击,让我从过去只是很表象地看着媒材原来的形式,到开始用新的视角去看待媒材,甚至艺术。」尽管当时做来仍有些懵懵懂懂,但在设计的过程中,许多自己长久以来的摸索获得了解释。他提到后来在做《无声的乐章》、《自叙.心境》等华人文化相关的设计时,都会不断回头看当年这件《墨影意形》。在意义上,那是他重要的创作起点。

游走于多个领域,对于范赫铄而言,跨域并不只是媒材运用甚或作品形式上的改变。他提到华人传统的平面艺术,常见多视点的创作手法,亦即会将所有的要素全像式地呈现在同一个画面,在创造多样的空间经验极具潜力,是非常独特的创作构成方式。而他的思考方式也是如此,在为一个议题设计时,他经常全像式地看待事物与其他的关联,并爬梳议题的背景和脉络;更重要的是要透过跨域的思考,创造观看问题的不同视角。

设计的核心议题,终将归于回应人的需求

尽管擅长运用数字媒材、互动科技于设计和创作,但范赫铄并非那种科技的乐观主义者;相反地,他谨慎地反思科技使用对于社会及文化带来的影响。在访谈过程中,他时而对于科技潜在的负面影响发出警语,或对于当代社会各种高速发展的科技文明,抛出一个个早已发生在人们日常生活中的实例,漫谈着他近年积累沉淀出的观察和思考。

在全球化下的当代信息社会,面对日渐错综复杂的种种问题,甚至是在冲击之下那些可能造成「典范转移」效应的伏流,范赫铄认为,这更需要透过「人本文明」的价值思考来解决,而其中大有设计参与的空间。他亦指出,当前设计界正逐渐从形式与风格的探讨,转为更加关注「以人为本」的问题解决方法论,即所谓的「设计思考」(design thinking)。

认为不论媒材、科技、社会制度等如何发展,设计的核心议题终将归于响应人的需求,亦即从使用者的角度出发,在设计过程中藉由「同理心」的建构,提出切实的创新解决方案。范赫铄在2017年为总统府特展「设计M/m台湾」策展时,即由此脉络发想,集结了6位台湾设计师的经验故事,看他们如何从不同面向,以使用者为中心、设计为媒介,让用户在设计解决问题的过程中获得最大的幸福感,继而展开一番对于「设计」价值及意义的思索。

2017年「设计 M/m 台湾 」总统府特展。

「设计要面对的往往已不再只是单一领域的事,或单纯地讨论什么样的流行或美学才是当下的趋势。」范赫铄说,这是他在为「设计M/m台湾」策展时的视角,如何运用不同领域的知识和观点,找到以创意解难的关键,甚至改变人们的思维方式、影响社群,已成一种显学;而设计如何转译文化积存的底蕴,熔接过去与现在,激发关于未来的可能性,也是现代化国家或区域创造竞争力的重要议题。

华人设计应探寻自身文化思想的现代精神

从这样的思路谈及华人设计,范赫铄认为,亚洲的华人是区域经济的要角,在跃升世界舞台后所追逐的精神文明是一个观察重点,「在全球化与网络化的环境里,国际间正经历着巨大的社会与经济冲击,我们都在主动与被动的齿轮下,不断经历『翻转』。由历史与文明的发展脉络总览我们所处的现代世界,从工具论的角度来看,生产力的大幅跃进,会大量激化对于文化与精神文明的多元思考,最后沉淀在以人为本的新视角,并更加尊重每个地区的文化底蕴与各地间的交流共融。」因此在全球化时代的沟通中,华人将进而被鼓励梳理自身历史和文化,并立基于民主、人本等普世价值。

范赫铄进一步指出,华人过去长于内在性与向心性的思考,表现在艺术层面,则偏重抽象与简约的表达,特别是「释」与「道」的思想转化,便是很重要的文化美学底蕴,并影响了东亚的美学,「尤其是宋明的美学,这个时代所衍生的极简品味,到现在不论在东西方,都仍有大量的文化美学追随者不断挖掘。从文人画里的意境来看,其实饱含了现代的空间美感经验,特别是笔墨这样独特的媒材所创造的『模糊边界』与『笔韵』,都在在凸显了华人追求与环境共融,并透过笔墨彰显人的善良心性与美感,这其实相当程度地与当代美学的共融与共好呼应。」

然而他也提醒,「华人文化中过度追求圣贤明君,而少了对人的平等思考与理性改革,则是华人社会现代化应面对的命题。」因而对他而言,设计能否基于人文关怀与华人文化及思想的现代精神,至关重要,也是他思考华人设计时的角度,正因在他看来,这样的「社会关怀是文明的温度计」。

「当我们回归人本来探讨,在解决问题的过程中,一定会有文化背后的意涵,与我们所处的当代相迭合。当这件事情得以爬梳出来,就会形成具有价值的文化基底,文化的自信也将从中而生。」范赫铄也提到,在商业化的影响下,华人设计能否逐渐沉淀出特有的地区观点与思考,并响应当下这个世代所面对的问题,也值得进一步思考。

范赫铄认为自己有很好的运气,得以透过跨域与来自不同领域的顶尖人士对话,倾听多方的观点,但也经常观察到,在文化建立自信的过程中,那些存在于探索路上的不确定甚或矛盾,像是台湾现阶段在对话中面临的符码压力。范赫铄说自己是个实证主义者,他一路观察、阅读、书写,一边在设计和创作中印证自己的想象,持续思索着关于设计、社会、文化的庞大议题,也期待引发更多对话与对现况的敲击。他说,「其实当代设计面对的问题很简单,唯有『共好』,才能创造出更多的好。」

 

范赫铄小档案

范赫铄,毕业于交通大学建筑研究所,现为木石研室内建筑空间设计有限公司设计总监、爻域互动科技共同设计股份有限公司创办人暨执行长。设计成果屡获国内外奖项肯定,更多次获得华人重要室内设计奖项TID Award。2011年获选为TID Award十大设计师,并于TID Award担任两届执行长。

从小学习艺术,多方涉猎建筑、空间、数字、新媒体、互动设计等范畴,并带领台湾少见的跨界设计实验团队,致力探索设计跨域整合的创新思考与可能。2014年与书法大师董阳孜携手合作的《无声的乐章》展览;2016年率领团队与故宫及HTC共同打造的台湾第一个VR书法体验空间《自叙.心境》,并于2017波士顿影展一举囊括金奖等四项大奖。擅以数字媒材重新诠释华人传统艺术,引领观者打开想象与视野。

近年范赫铄亦将跨域设计思维导入策展,期待藉由展览此一交流形式持续创造对话、探讨当代华人设计观点,如2017年策划第一个走入总统府的设计展「设计 M/m 台湾 」,从在地经验连结国际视野,期望引发全民对于设计力的重视与思考。

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